Se la prima parte della New York Fashion Week ha raccontato il rigore e la disciplina del guardaroba americano, questa seconda ondata mostra il lato più emotivo e identitario della città. Qui la moda non si limita a costruire silhouette: costruisce personaggi.
Tra la sensualità scolpita di PatBO, il glamour concettuale di Area, la purezza formale di Fforme e l’autorità cromatica di Sergio Hudson, emerge una New York meno silenziosa e più dichiarativa.
Non è solo questione di vestire bene: è questione di definire chi si è
— o chi si vuole diventare —
entrando in una stanza.
In questa seconda parte troverai una Review su:
PatBo
Ulla Johnson
Area
FForme
Sergio Hudson
Altuzarra
Khaite
Bronx and Banco
PATBO
Patricia Bonaldi porta a New York una femminilità che nasce dall’artigianalità brasiliana ma si confronta con un contesto più urbano e internazionale. Per l’FW26/27 l’estetica si fa meno solare e più notturna: la sensualità resta centrale, ma è più sofisticata, meno immediata.
È una donna che non ha bisogno di eccessi per essere magnetica.
La costruzione parte sempre dal corpo: abiti aderenti, silhouette scolpite, cut-out studiati per enfatizzare i punti strategici senza scadere nella provocazione gratuita. I ricami manuali restano il cuore del brand — cristalli, applicazioni, lavorazioni tridimensionali — ma sono integrati nella struttura del capo, non semplicemente sovrapposti.
Interessante l’uso delle frange e dei tessuti fluidi ma sostenuti internamente, che permettono movimento senza perdere definizione. La palette si scurisce: marrone, nero, bordeaux profondo, illuminati da bagliori metallici.
PatBO funziona quando la sensualità è controllata. Qui l’equilibrio tra artigianato e silhouette body-conscious è centrato: non è mai eccesso, è costruzione.
ULLA JOHNSON
Ulla Johnson continua la sua ricerca su femminilità e artigianato globale, ma con una maturità nuova. La collezione racconta una donna consapevole, radicata, meno boho e più strutturata.
Le silhouette si allungano. Le gonne midi e gli abiti fluidi sono accompagnati da cinture che segnano il punto vita, creando una figura più costruita rispetto alle stagioni passate.
La maglieria ha un ruolo chiave: lavorazioni complesse, texture ricche, sovrapposizioni che creano profondità. Le stampe restano, ma sono meno “folk”, più grafiche e controllate. La palette si muove tra terra, ruggine, blu profondi e neutri caldi.
Questa è una fase di maturazione del brand. Il romanticismo c’è ancora, ma è disciplinato. Da stylist, vedo una proposta più versatile e meno legata a un’estetica stagionale specifica.
AREA
Area continua a esplorare glamour e cultura pop, con un’estetica che gioca con ironia, brillantezza e costruzione scultorea.
Crystal embellishment resta protagonista, ma diventa elemento strutturale. Bustier, mini dress e top sono costruiti con architetture interne precise che sostengono peso e volume delle applicazioni.
Le silhouette alternano bodycon estremi a volumi quasi teatrali. Spalle enfatizzate, scolli netti, dettagli metallici. La palette oscilla tra nero profondo e colori saturi che amplificano l’effetto scenico.
Area non è mai minimal, ma non è neppure casuale. Quando la decorazione diventa costruzione, il risultato è potente. È un brand che richiede personalità forte e quando c’è, l’impatto è immediato.
FFORME
Fforme porta avanti una visione ultra-minimalista, quasi silenziosa. La collezione è una riflessione sulla forma pura e sull’essenzialità.
Cappotti scultorei con linee verticali pulite, abiti lunghi che scivolano sul corpo senza interruzioni visive. La costruzione è quasi architettonica: cuciture invisibili, volumi controllati, spalle leggere ma definite.
I tessuti — lana compatta, seta pesante, cashmere — sono scelti per mantenere struttura e fluidità insieme. Palette neutra, monocromatica, che enfatizza silhouette e proporzione.
Qui non c’è spazio per l’errore. È una moda che vive di precisione; é l’esempio perfetto di quanto il taglio conti più della decorazione.
SERGIO HUDSON
Sergio Hudson continua a celebrare una femminilità potente, strutturata, quasi politica. La sua donna è sicura, centrata e visibile.
Il tailoring è l’asse portante: blazer con spalle marcate, pantaloni a vita alta che allungano la figura, cappotti con linee verticali nette.
La palette è audace, giallo saturo, acquamarina, alternati a nero assoluto.
I tessuti sono compatti, strutturati, pensati per mantenere forma e presenza.
Hudson non veste, afferma. È una moda che dà presenza. Perfetta per chi vuole entrare in una stanza, dominare lo spazio e costruire un’immagine di autorità senza perdere sensualità.
ALTUZARRA
Joseph Altuzarra continua la sua esplorazione di una femminilità intellettuale, sofisticata, mai urlata. Per questa stagione lavora sul dialogo tra disciplina sartoriale e fluidità sensuale. È una donna che non ha bisogno di dimostrare, ma che sceglie con precisione cosa mostrare.
Il tailoring è centrale: blazer definiti ma morbidi nella costruzione, cappotti lunghi che avvolgono il corpo senza irrigidirlo. Le gonne longuette e gli abiti drappeggiati sono costruiti con una tecnica che crea movimento controllato, mai casuale.
Molto interessante il lavoro sulle superfici: tessuti fluidi accostati a lane più compatte, creando un contrasto tattile oltre che visivo. Le proporzioni sono calibrate spalle leggere, punto vita segnato, lunghezze sotto il ginocchio per un’eleganza adulta e consapevole.
Altuzarra non insegue mai l’effetto virale. E forse è proprio questa la sua forza. È un brand che costruisce nel tempo, stagione dopo stagione. Lo considero uno dei guardaroba più coerenti per una donna che vuole eleganza senza rigidità.
KHAITE
Catherine Holstein continua a lavorare su quell’equilibrio sottile tra rigore e sensualità che ha reso Khaite uno dei brand più solidi della scena newyorkese. Per l’FW26/27 il minimalismo si fa ancora più deciso: meno concessioni decorative, più concentrazione sulla forma. È un lusso silenzioso ma consapevole, che non cerca l’effetto, ma l’impatto.
Le silhouette sono pulite ma tese, quasi trattenute. I cappotti oversize hanno spalle precise ma non rigide, con linee verticali che slanciano la figura. La maglieria è protagonista: avvolgente, compatta, costruita per seguire il corpo senza stringerlo. Gli abiti second-skin sono studiati nella proporzione lunghezze midi, scolli misurati, vita segnata con discrezione.
La palette rimane fedele ai neutri — nero, antracite, crema, cioccolato — ma è la qualità della materia a fare la differenza: lane compatte, cashmere strutturato, pelle liscia senza eccessi. Non c’è nulla di superfluo, ogni cucitura è parte della costruzione narrativa.
Khaite oggi è uno dei brand che meglio interpreta il desiderio di un lusso credibile. Non è moda da red carpet, è moda da vita reale ad alto livello. Da stylist, la lezione è chiara: quando il taglio è impeccabile, non serve aggiungere altro. È un’estetica che richiede sicurezza, ma restituisce autorevolezza.
BRONX & BANCO
Natalie De’Banco continua a puntare su glamour internazionale e femminilità audace. La collezione è costruita per un impatto visivo forte.
Le silhouette sono più definite: vita marcata, spalle costruite, linee verticali che slanciano. Lavoro evidente su corsetteria interna e sostegno strutturale, che permette anche agli abiti più decorati di mantenere forma e pulizia.
Cristalli e dettagli metallici sono presenti ma più concentrati, non diffusi casualmente. I volumi sono calibrati: spacchi, drappeggi e inserti trasparenti sono bilanciati da linee nette.
La palette si muove tra tonalità profonde — nero, oro brunito, rosso intenso, giallo ocra — coerenti con una stagione invernale e meno “resort” rispetto al passato.
È una moda che vive di scena. Funziona quando l’occasione è importante. La chiave, come sempre, è lo styling: meno accessori, più pulizia per far parlare l’abito.
Questa seconda parte della stagione dimostra che New York non è mai monocorde. Accanto al minimalismo sofisticato convivono visioni più teatrali, sensuali o architettoniche. Brand come Khaite e Altuzarra lavorano sulla tensione sottile tra rigore e desiderio, mentre realtà come Bronx and Banco scelgono l’impatto immediato e la presenza scenica.
La lezione, da stylist, è chiara: non esiste un solo modo di essere contemporanee. C’è chi comunica attraverso la sottrazione e chi attraverso l’enfasi. La differenza la fa la coerenza tra abito, corpo e attitudine.
Ed è proprio questa pluralità a rendere New York ancora una delle capitali più interessanti da osservare.
See you and Stay Chic!!!
Vale
NYFW
Scopri le altre Collezione Autunno/Inverno 2026/2027
Looks Image Credit via TAGWALK
Lascia un commento