La settimana couture di Parigi tra arte sartoriale, narrazione e magia contemporanea
La Haute Couture Spring/Summer 2026 non ha urlato, non ha cercato shock facili né momenti virali forzati.
Ha fatto qualcosa di più raro: ha raccontato storie.
In una stagione in cui la moda vive spesso di accelerazioni continue, la couture ha rallentato il passo per tornare a ciò che conta davvero: la mano, il tempo, l’intenzione. Ogni collezione è stata una dichiarazione di identità, un modo diverso di intendere il presente attraverso il filtro dell’artigianato e della visione creativa.
Queste sono le Maison che, a mio avviso, hanno segnato davvero la SS26 Haute Couture.
In questo articolo trovi una Review su:
Valentino
Chanel
Dior
Elie Saab
Schiaparelli
Viktor & Rolf
Zuhair Murad
Armani Privè
VALENTINO
– Specula Mundi –
Con questa collezione, Alessandro Michele costruisce una couture pensata per essere osservata prima ancora che vissuta. Lo show si ispira al Kaiserpanorama, antico dispositivo ottico che permetteva di ammirare immagini attraverso piccole finestrelle, una alla volta. Allo stesso modo, gli abiti sfilano come visioni da contemplare: non si impongono frontalmente, ma si lasciano scoprire lentamente, invitando lo sguardo a soffermarsi sul dettaglio, sulla stratificazione, sulla memoria.
La couture diventa così uno strumento di osservazione del mondo, un archivio visivo che mescola epoche, simboli e identità. Non una narrazione lineare, ma una sequenza di immagini da attraversare con attenzione
Le silhouette sono costruite, spesso verticali, dense di significato. Accanto a ricami elaborati e applicazioni preziose, emergono plissettature magistrali, trattate come superfici vive: non semplici decorazioni, ma elementi strutturali che danno ritmo e profondità all’abito.
I tessuti, velluti, sete, broccati, amplificano la ricchezza visiva, mentre la palette alterna toni profondi e polverosi a improvvisi accenti cromatici, come frammenti di epoche diverse osservati da vicino.
È una couture che chiede tempo e attenzione. Gli styling non cercano immediatezza, ma profondità: ogni look è pensato per essere “letto”, non solo visto. Da stylist, trovo potente questa scelta di rallentare lo sguardo, di restituire all’abito un valore contemplativo. Michele trasforma Valentino in un luogo di riflessione culturale, dove la moda non semplifica il mondo, ma lo riflette nella sua complessità.
CHANEL
– Prima, la trasparenza e la mussola: il tailleur Chanel avvolge come una seconda pelle, svelando i segreti dell’anima di chi lo indossa.
Poi arrivano gli uccelli, in una danza di colori, forme e orizzonti.
Portano con sé una promessa lieve e luminosa: la libertà, semplice e gioiosa.-
Con la sua prima collezione couture per Chanel, Matthieu Blazy sceglie una direzione precisa: alleggerire senza svuotare. La passerella diventa uno spazio sospeso, quasi onirico, dove la femminilità si muove libera e fluida. La collezione ruota attorno all’idea di libertà evocata da trasparenze impalpabili e da una simbologia naturale che parla di movimento e trasformazione.
Il tweed iconico viene alleggerito e reso morbido, avvolgente come una seconda pelle. Mussola, piume, ricami e trasparenze dialogano con estrema precisione, costruendo silhouette che sembrano fluttuare pur mantenendo struttura e portabilità. Le trasparenze svelano senza esporre, mentre ogni dettaglio è calibrato per restare couture senza perdere grazia.
È una collezione che colpisce per equilibrio e controllo. Anche nei momenti più eterei, nulla è fragile. Gli styling sono puliti, misurati, basati sulla qualità del tessuto e sulla leggerezza del gesto. Blazy dimostra che Chanel può parlare di libertà senza perdere identità: una couture che non impone, ma accompagna, con eleganza silenziosa.
DIOR
– Grammar of forms –
Il debutto couture di Jonathan Anderson per Dior si muove tra rispetto e rinnovamento. La collezione nasce da un dialogo simbolico tra passato e presente: i ciclamini donati da John Galliano diventano emblema di continuità creativa, mentre l’arte scultorea di Magdalene Odundo ispira una visione del corpo come forma viva. Anderson riporta la couture a un gesto culturale, riflessivo, mai gridato.
Le silhouette sono strutturate ma leggere: volumi che non costringono, ma accompagnano il corpo lasciando spazio al movimento. I riferimenti floreali sono parte della costruzione, mai decorativi. Drappeggi delicati, linee sinuose e materiali raffinati definiscono una nuova grammatica della forma Dior, sofisticata e contemporanea.
Questa couture mi convince per i drappeggi degli abiti che vanno a valorizzare le forme della silhouette. Ogni look respira, nulla è imposto. È una visione che rispetta l’eredità della Maison senza imitarla, rendendo l’abito un organismo da indossare, non un oggetto da osservare.
Un debutto silenzioso ma incisivo, che lascia il segno.
ELIE SAAB
– Golden Summer Nights of ’71 –
Per la Couture SS26, Elie Saab ha evocato il fascino di un’epoca dorata: quella del jet-set tra Milos e Marrakech negli anni ’70.
La collezione nasce come una scena notturna carica di energia: musica nell’aria, risate che si intrecciano, il chiarore della luna che illumina una folla in movimento. È l’istante in cui arriva lei, la musa, e tutto prende vita. Golden Summer Nights of ’71 racconta un’idea di glamour libero, anticonformista, vissuto fino in fondo. Non un’eleganza rigida, ma una bellezza che si muove, cattura sguardi, accende l’atmosfera.
Gli abiti scorrono come luce in movimento: strati scintillanti, superfici che riflettono e assorbono il chiarore notturno, ricami luminosi che sembrano vibrare a ogni passo. Le silhouette sono fluide, sensuali, costruite per accompagnare il corpo senza trattenerlo. La palette richiama l’oro caldo, le tonalità ambrate, le sfumature notturne che si accendono sotto la luce artificiale. Tutto è pensato per evocare una presenza magnetica, mai statica.
È una couture che parla di attitudine prima ancora che di abito. Gli styling sono studiati per raccontare una donna che entra in scena e la domina, senza bisogno di eccessi.
Per me questa collezione è come un invito a vivere il lusso con naturalezza: l’abito non è protagonista da solo, ma lo diventa quando incontra chi lo indossa. Elie Saab conferma la sua capacità di trasformare l’eleganza in emozione condivisa.
SCHIAPARELLI
– The Agony and the Ecstasy –
Il punto di partenza emotivo di questa collezione nasce da un’esperienza quasi intima: l’incontro di Daniel Roseberry con la Cappella Sistina. Prima ancora del celebre soffitto, sono le pareti a colpirlo, dense di immagini, di narrazione, di disciplina artistica. Ed è proprio da lì che prende forma la visione di Schiaparelli: la couture come linguaggio che esiste solo grazie alla struttura, alle regole, alla tradizione. Ma è dentro quel rigore che il designer sceglie di spingersi oltre, cercando libertà, tensione, espressione.
Le silhouette sono decise, architettoniche, spesso enfatizzate da bustier, volumi estremi e dettagli anatomici. Metalli dorati, ricami tridimensionali, drappeggi controllati e contrasti netti tra materiali rigidi e superfici fluide creano un’estetica potente e riconoscibile. Il colore è usato con precisione chirurgica, alternando monocromie intense a accenti simbolici.
È una couture che vive di tensione creativa: tra disciplina e fantasia, tra controllo e immaginazione. Gli styling sono potenti, quasi teatrali, ma sempre sostenuti da una maestria tecnica straordinaria. Ciò che mi colpisce è come ogni abito non sia solo da guardare, ma da decifrare. Schiaparelli continua a dimostrare che la couture può essere narrativa, concettuale e profondamente artigianale allo stesso tempo una moda che non semplifica, ma eleva.
VIKTOR & ROLF
– Diamod kite –
Con Diamond Kite, Viktor & Rolf riportano la couture in uno spazio di immaginazione pura. Il punto di partenza è l’aquilone: simbolo universale di libertà, evasione ed elevazione. Non è solo un riferimento visivo, ma un’idea emotiva che richiama la meraviglia dell’infanzia, il gioco, il potere trasformativo del sogno. La sfilata diventa così un invito a guardare la moda con occhi più leggeri, ma non meno profondi.
Volumi esasperati, costruzioni fuori scala, giochi di proporzione e contrasti visivi dominano la collezione. Fiocchi, strati, strutture rigide e tessuti trattati in modo non convenzionale trasformano ogni look in un oggetto quasi concettuale. Il colore e la forma sono utilizzati come strumenti narrativi, non decorativi. Ogni look sembra progettato per muoversi nell’aria, più che sulla passerella.
È una couture che parla all’immaginazione prima ancora che al guardaroba. Gli styling sono volutamente concettuali, pensati per evocare stupore e non per essere immediatamente “tradotti” nella vita reale. La mia impressione è come se fosse una collezione-manifesto: Viktor & Rolf usano la couture per ricordarci che la moda può ancora essere gioco, sogno e trasformazione. Non cerca utilità, ma senso ed è proprio lì che trova la sua forza.
ZUHAIR MURAD
– Chiaroscuro –
Zuhair Murad propone una couture che esalta il glamour nella sua forma più riconoscibile. La sfilata è un inno alla femminilità sensuale e sofisticata, dove l’abito diventa strumento di seduzione elegante.
Silhouette aderenti, scolli pronunciati, trasparenze calibrate e ricami intensi definiscono la collezione. Cristalli, perline e lavorazioni luminose seguono le linee del corpo, mentre la palette cromatica alterna tonalità profonde a sfumature luminose, creando un effetto scenografico ma controllato.
È una couture che non nasconde la sua vocazione: vestire una donna sicura, consapevole, protagonista. Gli styling sono coerenti e immediatamente riconoscibili. Io leggo una proposta solida per chi cerca un lusso dichiarato, senza ambiguità.
ARMANI PRIVE’
– Jade –
La collezione segna il debutto di Silvana Armani che, nel segno della continuità, offre il suo sguardo femminile sulla moda: coerente ma diverso, idealizzato ma concreto.
Jade si apre come una riflessione sul colore e sulla purezza della forma.
Qui il verde giada non è un semplice riferimento cromatico: diventa idea, sensazione di equilibrio e calma.
La couture non è ostentazione, ma misura, proporzione e armonia. È evidente che l’intento non è stupire con drammaticità, ma offrire una versione di eleganza che sia silenziosa ma profondissima.
Le silhouette di Jade sono pulite, allungate, costruite con una precisione sartoriale che racconta: “less is elegant”. I capi scorrono sul corpo con naturalezza, senza costringerlo, giocando con linee fluide e tagli perfetti. I tessuti, dalla seta più leggera al mikado più definito, lavorano con superfici luminose e texture morbide. La palette è dominata dal verde giada, accompagnata da toni neutri e accenti chiari che sembrano catturare la luce come riflesso di una gemma. La couture qui è poesia fatta di forme, non di ornamenti.
Questa è couture pensata per durare nel tempo, non solo per farsi notare in passerella.
Trovo Jade una collezione estremamente coerente con il linguaggio di Armani Privé: eleganza sobria, niente fronzoli superflui, grande rispetto per la silhouette. È couture che comunica presenza senza clamore. Gli styling sono raffinati ma accessibili nella leggibilità, e avverto una grande attenzione alla proiezione quotidiana dell’abito non come capo “inutile per una sera”, ma come pezzo che può vivere più vite nell’armadio di chi lo sceglie.
La Haute Couture SS26 ci ricorda perché l’Alta Moda è ancora necessaria:
non per dettare tendenze, ma per dare significato.
In un mondo che corre, la couture si prende il tempo di pensare, di costruire, di emozionare.
È qui che la moda torna a essere linguaggio, gesto, memoria.
Ed è qui che, come stylist, continuo a trovare l’ispirazione più autentica.
Quale Maison ti ha colpito di più questa stagione?
Raccontamelo nei commenti: la moda è ancora più interessante quando diventa dialogo <3
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